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Mi opinión sobre: Wearable tech

Los dispositivos conocidos como wearable tech han sido creados para proporcionar sensibilidad, capacidad de escaneo de la función fisiológica y retroalimentación, a la par de ser cómodos al cuerpo e integrar un diseño funcional. Actualmente contamos con implantes subcutáneos, relojes y lentes inteligentes, audífonos que están diseñados para parecerse a aretes y ropa biodegradable. La miniaturización de dispositivos electrónicos y sensores, junto con la reducción de costos, han contribuido a un rápido aumento del número de wearable tech.


En mi opinión, las compañías de wearable tech no han llegado al punto de tener las credenciales necesarias para crear el tipo de productos que a la gente le gustaría usar diariamente e incluso presumir. Para crear productos lujosos, las asociaciones de las compañías de tecnología con las grandes marcas en la industria de la moda se convertirán en recurrentes. De esta manera la moda y la funcionalidad no estarán separados. Tomemos como ejemplo al monitor de actividad de Swarovsky y Misfit Shine:






El progreso tecnológico en la industria nos guiará a tener tejidos nuevos, como telas con sensores integrados con el potencial para cambiar el mundo de la moda de maneras que nunca se han conocido. Se podrían crear nuevas, siluetas, prendas que cambien de color al reaccionar con ciertos elementos del medio ambiente, telas que contengan organismos vivientes para ayudar a sanar el cuerpo, etc.



Al día de hoy, ya hemos sido testigo de algunas impresiones en 3D que han dado pie a creaciones semejantes a piezas de arte. Asimismo, las posibilidades con la realidad virtual son muchas, ¿te puedes imaginar estar dentro de las pasarelas más importantes en el mundo de la moda? ¿Poder inspeccionar cada prenda de una colección conforme avanza el desfile? ¡Yo estaría en primera fila!

Historia del traje

Hablar de la historia del traje es profundizar en la historia de la civilización, la disciplina técnica y artística inherente, así como de la psicología de la época. A continuación se enlistan los periodos más importantes en la industria textil.

• Egipto: representa la imagen más perfecta del mundo antiguo. La prenda más popular era el schenti (falda masculina) y kalasiris (vestido femenino). Utilizaban pelucas, mucha joyería y sandalias.
  
  Ejercicio 1: Interpretación moderna del atuendo egipcio.

• Creta: mujeres usaban falda con capas y volados. Llevaban faja que enmarcaba la cintura y el busto descubierto.
  
• Grecia: fueron innovadores en política, filosofía, historia, arte y matemáticas. La mujer vivía en el anonimato, tejer era una de sus actividades. Se cubrían con rectángulos de tela con cosido mínimo e iban envueltas o drapeadas. Lo más elegante podía llevar elementos decorativos. Inventaron el proceso de tela algodón: esquileo, lavado, cardado, hilado, tejido y teñido.
  
  Ejercicio 2: Interpretación moderna del atuendo griego.
  
• Etruscos: fueron artesanos del metal, creían de la vida detrás de la muerte. Las mujeres eran iguales en la sociedad que los hombres. Seguían la moda de Grecia, las mujeres llevaban las cinturas ceñidas y los hombres llevaban túnicas en forma de T.
  
• Roma: Su éxito dependía de la fuerza del ejército. El gobierno regulaba la política, el arte, la religión y la moda. Las mujeres no participaban en la vida pública, pero algunas mostraban principios de feminismo interesándose en filosofía, astrología y matemáticas.
  
  Ejercicio 3: Interpretación moderna del atuendo romano.
  
• Edad Media: fue el período de los caballeros y los reyes. Mujeres utilizaban brial con manto sobre la cabeza. El estilo bizantino dominó la época. Predominaba la religión. La gayadura era la prenda masculina, además usaban medias. Los tejidos más importantes fueron la lana y la seda, además utilizaban mucha pedrería. Los trajes eran rígidos con ornamentación muy compleja.
  
  Ejercicio 4: Interpretación moderna del atuendo Bizantino
  
• Sigo XV: época medieval. La ropa era sobria y elegante. El hombre utilizaba jubón, se ajustaron los chalecos, corsets y corpiños de mujer. Los miriñaques daban volumen a la cadera de la mujer, utilizaban cinturones anchos y cabello extravagante. El acuchillado fue famoso en el Renacimiento, todas las prendas eran hechas por sastres.
  
• Siglo XVI: se llevaba una camisa interior de lino o cota. Vestidos externos con V hasta la línea de la cintura, se añadió pieza de tejido rígido para tapar el pecho. Se utilizaba gorgueras (cuellos de acordeón).
  
• Siglo XVII: la industria textil fue impulsada por Inglaterra. Aparecieron telas estampadas, encajes con líneas curvas, se pone de moda el manguito (peluchín para las manos) y las medias mangas o mangas de jamón.
  
• Barroco: Lo más popular fueron los brocados, terciopelos y sedas de Lyon, además de tafetanes. Se usaba el corset y faldas de tambor. Exceso de decorado. Las pelucas estaban de moda, se utilizaban velos en el cabello.
  
• Siglo XVIII: predominó el estilo elegante y refinado llamado Rococó. Se confirmó a Paris como líder de moda. El vestido robe volante era más cómodo pero seguía siento de etiqueta. Los guardainfantes se utilizaban debajo del vestido. Maria Antonieta fue impulsora de la moda.
  Ejercicio 5: Interpretación moderna del atuendo Rococó
  
  
• Neoclásico o periodo directorio: Nadie quería asociarse con la imagen de los aristócratas. Regresan las siluetas griegas y romanas a la indumentaria, los vestidos corte imperio predominaron.
  
  Ejercicio 6: Interpretación moderna del atuendo Neoclásico
  
• Siglo XIX: Josefina Bonaparte fue la referencia de moda. Nacen las marcas Tiffany, Cartier, Bulgari y Fabergé. Embelleció la línea imperio, imitaban la toga pero utilizaba materiales ostentosos. A mitad del siglo resurgió el estilo del gótico, regresa el corset. El traje de hombre se popularizó el Dandy y Top Hat. Saco cazador, mallas y botas altas. Henry Pool abre su sastrería y da inicio al corbatín. Se utilizaba zapato Oxford. En 1850 regresa el miriñaque. La seda cruda y tafeta eran populares. El primer diseñador establecido fue Worth. Nace el japonismo, cuyo líder es James Abott McNeil Whistler. El peso del vestido caía en la parte trasera. A finales del siglo 19 inició la Belle Epoque. Silueta en forma de S.
  
  Ejercicio 7: Interpretación del atuendo Belle Epoque.
  
  

• Siglo XX: todos diseñaban alrededor del ballet ruso de St. Petersburgo. Se usaban colores sólidos, siluetas sueltas, túnicas, sombreros pequeños, kimonos. Se funda el sindicato de alta costura. Nacieron ilustradores de moda. Nace Vogue. No era aceptable que se vieran los tobillos. Lucilie fue la originadora del primer Fashion Show usando modelos reales.
  
• WW1: Mujeres tenían prendas de trabajo, la ropa militar se puso de moda.
  
• 1920: moda andrógina, el jazz influenció la moda. Mujeres empezaron a fumar y a usar trajes. No se resaltaba el busto o la cintura. Art Deco. Chanel se vuelve importante por proponer prendas femeninas para un estilo de vida activo. Se utilizó cuello halter. Surrealismo, futurismo también son básicos en la moda. El vestido Charleston es icónico.
  
• 1930: en medio de una lucha económica, los años dorados de Hollywood surgieron. Regresan las curvas femeninas. Balenciaga abre salón en 1937. Marlene Dietruch, Greta Caro fueron íconos. Nace la fotografía de moda. Se empezó a popularizar el ready to wear.
  
• 1940: declive de la moda por segunda guerra mundial, había orden de limitación de suministros. Todos vestían de manera similar, comienza el auge del sombrero. La moda tenía influencia militar. En 1947 nace el New Look por Christian Dior tiene cintura estrecha y faldas amplias, otras influencias: Nina Ricci, Elizabeth Hawes. Claire McCardekk. Pin ups, Rita Hayworth, Betty Grable. Hombres vestían con silueta civvy o uniforme. Se pone de moda el Fedora.
  
  Ejercicio 8: Interpretación moderna del New Look
  
• 1950: Cristobal Balenciaga fue un ícono, maestro de la alta costura. Sack dress fue tendencia, hubo innovación en trajes de baño. Se descubre el spandex. Se pone de moda el Stiletto y el kitten heel. Materiales: piel de leopardo, oro, brocados, cocodrilo y lagarto. Los hombres vestían elegantes con trajes italianos. Kiton, Brioni, Canali. Dolce Vita. Diferencia entre jóvenes y adultos. Nace Rock and roll. Look motociclista, se pone de moda los Converse.
  
  
• 1960: Generación de baby boomers. Revuelta estudiantil 68, aterrizaje en la luna, innovación en materiales como pvc, Beatles eran un ícono, nouvelle vague, monokini, shift dress, Youthquake lable, Twiggy, andrógina. El hombre se deja cabello largo. La tendencia unisex desembocó en la tendencia hippie. Color blocking, Saint Laurent es ícono. Nace Retro Chic.
  
• 1970: Cambia el sistema de moda, se enfoca en la juventud, se pone de moda el Dior Gypsy Look y llega el FOLK. Mezcla étnica con estilos campesinos, patchwork, boradados y tejidos. A finales nace el GLAM. Jean Charles de Castelbajac. Kenzo Takada se presentó en Paris. Escena disco. Look Drainpipe, leotardos, ropa de aerobics. Fiorucci, Halston, Gucci.
  
  Ejercicio 9: Interpretación moderna de los 70s

• 1980: se popularizó el power suit de Giorgio Armani y Nino Cerruti. También las hombreras y pantalones aguados, bondage, tartán, piratas, buffalo look. Nacen los estilistas de moda. Se utilizaba el estilo oversized street wear con muchas capas. A mediados de la década fueron los años Yuppies. Helmut Newton fue un ícono en fotografía. Destacó Donna Karan, Max Mara y Salvatore Ferragano. Nace la deconstrucción, los diseños no tenían sexo ni forma.
  
• 1990: influenciado por el hip hop, Wu Tang Clan, ropa casual con ropa deportiva, nace la industria de los jeans, tenis y bolsos. Antifashion, modelos súper delgadas, fin de los excesos. El grunge se vuelve masivo. El Haute Couture como máximo exponente, los Red Carpets se vuelven importantes. Se pone de moda el celebrity stylist.
  
• Ejercicio 10: Interpretación moderna de los 90s
• 2000: Street culture, prada, adidas, converse, vans. Martin Margiela. Rockero/Gótico. Modelos “feos”, Raf Simons, Oliver Theyskens. Branding con monogramas. Fenómino Patricia Field estilista de Sex and the city. Nuevo Futurismo. Revival de lo vintage. Dita Von Tease. Del 2005 al 2020 se hablará del futurismo de la moda. McQueen es reconocido como visionario.
  
  Ejercicio 11: Interpretación del atuendo en 2010
  
  

Terminología del diseño de moda 2

En una segunda clase sobre terminología del diseño de modas, pudimos aprender sobre la morfología del cuerpo humano y las distintas proporciones tanto en mujeres como hombres. Esto nos sirve como guía para el buen vestir y para destacar nuestras mejores cualidades físicas, sin dejar en nuestra lista de pendientes la originalidad ;)

Mujer:

Hombre:

Como proyecto, tuvimos que ingeniar 3 looks que favorecieran el tipo de cuerpo que se nos mencionara en el ejercicio. 

Caso 1: Marco

Tipo de cuerpo: Triángulo invertido

Estilo: Business casual
Requisito: Camiseta breton, gusta de colores brillantes, heritage.

Caso 2: Leny
Tipo de cuerpo: Triángulo

Estilo: Mix & Match
Requisito: Brunch en terraza en NY, estampado, pantalón pierna ancha.

Caso 3: Mercedes

Tipo de cuerpo: Rectángulo

Estilo: Clásico

Requisito: Monocromático, blusa camisera, runway en Milán

Terminología del diseño de moda

En el mundo de la moda se acuñan conceptos especiales para ayudar a clasificar el trabajo de los diseñadores. Con estos conceptos se proyecta y coordina la creación de prendas armoniosas, se mencionan a continuación.

Silueta: Es el contorno de la prenda, enfatiza partes del cuerpo o crea efectos de dimensión.

Línea: es el elemento más simple del diseño. Hay líneas de contorno y líneas de estilo (bolsillos, costuras, volantes, etc.) Las líneas guían el movimiento de los ojos a través del atuendo y pueden ser rectas, curvas o en zig zag. También  pueden tener dirección vertical, horizontal o diagonal.

Color: es un importante elemento del diseño que puede transmitir emociones o bien el tema de la colección. 

Textura: le puede dar ligereza o peso a la tela. Es la apariencia de su superficie y la sensación, es la calidad de su rugosidad, dureza o suavidad, la opacidad o brillo. Existe la textura estructural y la textura visual, que se crea con un estampado. 

Principios y elementos del diseño

La moda se construye con base en principios y elementos del diseño. Estos principios, conjugados con las influencias sociales y culturales, dictan la pauta para crear diseños armoniosos. Son flexibles, por lo tanto deben ser interpretados por cada diseñador, dentro de su visión única de estilo.

Uno de los primeros conceptos que se evalúan al momento de crear un diseño es la proporción, con ella se buscará el equilibrio entre la altura, anchura, profundidad y espacio circundante al diseño.
La figura humana está sometida a las leyes de la perspectiva y se divide en ocho partes iguales, o sea, en ocho cabezas de alto. Usualmente, los diseñadores elaboran sus prendas basados en una proporción de 3:5, sin embargo, son libres de cambiar las medidas para jugar visualmente con representación del cuerpo.

Una segunda base del diseño es el balance; éste implica una fuerte referencia visual para el observador ya que le da un sentido de uniformidad o igualdad que se consigue de manera simétrica o asimétrica. A continuación veremos ejemplos de balance formal, informal y radial. 

Los atuendos también cuentan con un punto focal que se ofrece como el centro de interés y se llama énfasis. Se puede lograr con el uso de colores, cortes y texturas.

Otro elemento importante a considerar es el ritmo, con él se puede dar una sensación de movimiento a una prenda. Los tipos de ritmo que tenemos son por repetición, radiación, progresión y transición. 

Al final, todos estos elementos aplicados a un sólo diseño, crea una prenda armoniosa pues existe una consistencia de tamaños, formas, colores y patrones.

Introducción al diseño de moda

Mi formación como modista en el Instituto di Moda Burgo, implica cursar la materia de Introducción al diseño de moda. En estas semanas, he podido ampliar mi panorama analizando las pasarelas más importantes en los Fashion Week, así como todas las tendencias que arriban para las siguientes temporadas. Además, en clase hemos tocado temas tan importantes como el desarrollo de un concepto original para una crear una colección. Si bien es cierto que la inspiración y la creatividad juegan un gran papel en el diseño, la técnica no se queda fuera.

Para comenzar a definir la esencia de una colección de moda, se tiene que definir el estilo que quiere transmitir el diseñador, pues a fin de cuentas, el estilo es la capacidad de transformar el espíritu de la época que se está viviendo en atuendos. Atuendos que se alejen de lo genérico, que se eleven para ser iconos de su temporada, que puedan llevar a las personas la osadía de la conciencia cultural con prendas que puedan funcionar como entidades individuales.

También exploramos las categorías en las que se clasifican los diseñadores. Tenemos a Prada o Gucci cuyos fundamentos se encuentran en lo retro, a Hugo Boss que se inclina por las prendas socio, a Pineda Covali que tiene una médula ethno o a Yohji Yamamoto cuya inspiración techno se evidencia en sus diseños.

Me siento muy motivada por lo que he aprendido y tengo por aprender. Tengo altas expectativas de mis maestros en el Instituto, confío en que pueden guiarme en este entrenamiento y que me impulsarán a desafiar a la industria, a ¨romper reglas¨ y a seguir creciendo.

Teoría del color

El color es un gran aliado de los diseñadores de moda. Trabajando con ellos, el diseñador puede darle un sentido único a su colección, transmitir energía y crear su sello personal.

Para comenzar a hablar sobre la teoría del color, tenemos que entender que el color es un fenómeno físico de la luz asociado con diferentes longitudes de onda reflejados en la materia, en el caso de la moda, "materia" se traduciría en las hermosas telas que vemos pasarela tras pasarela.

Partiendo de un círculo cromático se desarrollarán los siguientes conceptos básicos:

- Colores primarios: son colores básicos que no se pueden producir a partir de la mezcla de otros y con los que es posible crear una mayor gama de tonos. Ellos son el rojo, azul y amarillo

- Colores secundarios: es el color obtenido a raíz de la combinación de dos colores primarios. Son el violeta, verde y naranja.

- Tono: es el nombre de la familia del color, nos permite diferenciar, nombrar y designar los colores. Por ejemplo, rojo, naranja, amarillo, verde, azul, violeta, magenta, cyan.

- Valor: se refiere a la claridad u oscuridad de un color, sus extremos son el negro y el blanco.

- Intensidad: son el brillo o la opacidad de un color, que puede ir de brillante a aburrido

En moda, el círculo cromático también se utiliza para crear diferentes combinaciones de colores que se pueden utilizar en un outfit, los cuales se designan de la siguiente manera:

- Monocromático: se refiere a utilizar un solo color en distintos tonos.

-Análogo: Se elige un color primario, combinado con colores vecinos en el círculo cromático.

- Complementario: Consiste en elegir un color y su opuesto en el círculo cromático.


-División complementaria: Para crear un look con esta combinación se tiene que elegir un color, identificar su opuesto y combinarlo con los colores vecinos.

- Doble complementario: se trata de armonías dobles que se sientan juntas y se cruzan en X.

- Triada: para esta combinación se eligen tres colores equidistantes.

-Tetrada: se forma haciendo rectángulos o cuadros en el círculo cromático.


-Diada: son las combinaciones de dos colores situadas a dos pasos de distancia.

Me gustaría cerrar esta nota con un par de conceptos importantes dentro de la teoría del color. Estos son frío vs cálido y oscuro vs brillante. 

Un color se considera frío o cálido según la sensación de temperatura que transmita. De esta forma, los colores cálidos son todos aquellos que van del rojo al amarillo, pasando por naranjas, marrones y dorados. Por otro lado, los colores fríos son todos los colores que van desde el azul al verde pasando por los morados.

Por otro lado, los colores oscuros absorben la luz y a nivel psicológico son más poderosos y elegantes. Mientras que los colores brillantes son más energéticos y se logran omitiendo matices negros o grises.